Bambi - Ela não nasceu mulher, tornou-se

Emblemática do corpo à alma, as primeiras palavras da protagonista biografada no documentário BAMBI (2013) de Sébastien Lifshitz eram sobre um sentimento de amargor inato ao seu nome de nascença Jean-Pierre. Daí, a partir de uma eficaz edição documental deste talentoso diretor francês, nós entendemos do que o filme se trata em poucos minutos. Marie-Pierre Pruvot narra a sua trajetória, nascida no dia 11 de novembro de 1935 em território argeliano ocupado pela França, ficou conhecida como uma das primeiras e mais suntuosas transexuais do mundo do espetáculo parisiense e um amuleto de sorte lhe batizaria Bambi, emblema de uma época carnavalesca que ela levaria consigo toda sua vida e mesmo depois de abandonar as artes cênicas para obter a graduação em literatura pela Sorbonne, formando-se educadora.

É notável o cuidado na pesquisa de Lifshitz pela maneira como a montagem valoriza a memória da biografada, trabalhando de forma sensível esta narrativa que se constrói em diversos níveis: a voz em off de Bambi descreve os detalhes de sua experiência enquanto indivíduo, mas temos ainda suas imagens caseiras gravadas em Super-8, as imagens do território argeliano na época e o material efetivamente produzido pelo diretor que consiste também em acompanhar a protagonista num retorno depois de anos às suas origens.

Bambi e suas colegas, no auge da noite parisiense.

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O resultado do documentário de apenas 58 minutos constrói uma rede entre estes elementos, mostrando que é possível desfrutar ao máximo de cada um graças à união dos mesmos, falamos aqui do prazer na montagem e do olhar documental de Lifshitz. A maneira com a qual o diretor expõe as dificuldades de sua personagem com uma câmera que parece assumir o papel de um cúmplice ou de alguém a qual toda confiança do mundo foi depositada para receber aquele convidado, tratando-lhe como ilustre. A sensibilidade de Sébastien Lifshitz aponta para os dramas de seus indivíduos de maneira subjetiva, mas não desvela explicitamente a palavra dos mesmos em julgamento. Seu olhar fortalece a figura de Marie-Pierre Pruvot, alguém que precisou ser forte, símbolo de resistência e criadora da própria mulher que se tornou para poder triunfar em meio a tantas barreiras impostas socialmente.

Cabaret Carrousel de Paris, '50s e '60s.

É mesmo o momento para dar uma nova leitura ao celebre enunciado de Simone de Beauvoir, em que ela diz num contexto específico que não se nasce mulher, o ser-mulher é algo que se torna. Imaginamos, principalmente, que esta emblemática construção tenha surgido num momento em que o gênero feminino era visto não apenas com uma perspectiva negativa, mas também de maneira que inserido na sua hierarquização social o significado do feminino dependia do masculino, a figura da mulher como um segundo sexo precisava estar metaforizada à égide de sua muleta, a figura masculina.

Num ato de femininismo, Simone de Beauvoir protesta contra esta imposição social de dependência da mulher, argumentando que por natureza somos dispostos das mesmas ferramentas para alcançar e, porém, aquele ser feminino e fragilizado por regras machistas constitui uma formulação a posteriori e senão mediada pelas rédeas sociais, mas jamais pela essência. Neste caso, o ser-mulher do seu enunciado seria exatamente algo a escapar. O caso de Bambi não está muito distante, ainda que a partir de outros âmbitos da sexualidade, pois está claro que por trás da sua composição enquanto indivíduo há a vontade de uma família que espera de seu filho um casamento heterossexual. Esta mesma sociedade que lhe exige a moeda do homem bem-sucedido com promessas em troca de felicidade duradoura, também coloca as barreiras àqueles que desejam recusar o seu sistema. 

No entanto, Bambi precisou construir um ser-mulher que lhe inspirasse a ter força para resistir à estas barreiras, uma figura do feminino contrária àquela proposta por Simone de Beauvoir, pois não seria a mulher dependente. Bambi tornou-se a mulher que exigiu o que para ela era o mínimo, poder viver e para isso era preciso trabalhar. Ela queria calçar os saltos altos a qualquer custo, uma escolha mais política do que estética, Bambi nunca aceitou ser um homem ocupado a ser travesti em horas vagas, como alguns dos seus colegas cujas identidades femininas eram adereços de espetáculo, pois a si mesma, via-se diante de um espelho, a feminilidade era a sua filosofia de vida e tornar-se mulher dependia de uma invenção. No esforço de realizar o seu sonho de se tornar mulher, ela deveria necessariamente tornar isso, aceitando todas as consequências sociais implicadas pelo ato.

Marie-Pierre Pruvot, escritora e educadora, 78 anos.

Tive o prazer ontem de poder assistir a uma exibição do documentário de Lifshitz, na presença da ilustre Bambi. Inestimável a oportunidade do bate-papo com ela após a sessão. Madame Pruvot gentilmente nos acolheu com algumas curiosidades a mais sobre sua vida, contou que gravou em torno de dez horas de entrevista para o diretor parisiense. Lembrando da sua trajetória com afeto, ela dizia como era difícil a vida na Argélia e o significado de ter assistido a um espetáculo do Carrousel de Paris ainda tão jovem que lhe fez angariar as forças para ir atrás daquilo, mesmo vindo mais tarde a sentir alguns arrependimentos do trajeto percorrido nos palcos. Foi naquele momento que tudo pareceu passível à realização e as imagens de Bambi se projetaram na tela, as emoções lhe tomaram ao lembrar-se de quando era um simples garoto que sonhava com um vestido vermelho, tudo que alcançou hoje e o fim da sessão celebrava este exemplo de vida.

"Bambi et moi", le 18 décembre 2013

Foto tirada na sessão Mundo.Doc

Cinéma Opéra, merci beaucoup!

Pour devenir femme,

il faut plus qu'être née.

Un hommage à

Marie-Pierre Pruvot

Especial Bette Davis

Félicitations! 05/Abril/1908

Comento neste special post o documentário do TCM sobre a vida da atriz.

Escrito e dirigido por Peter Jones, cineasta e jornalista, vencedor de 1 Emmy. Narrado por Susan Sarandon, "Stardust: A história de Bette Davis" explora a carreira da atriz a partir de um ponto de vista psicológico com fotos e vídeos ao longo da sua carreira. O documentário é comentado por Jane Fonda, James Woods, Ellen Burstyn, Gena Rowlands e conta com a participação do filho da atriz, Michael Merrill, que conversa sobre o casamento dos pais e o polêmico livro de memórias escrito pela irmã.

Uma organizada sucessão de fatos sobre a trajetória que levou Bette Davis ao estrelato, STARDUST não é apenas uma grande homenagem à atriz, a representação de uma verdadeira dama, mas também um produto que assume a responsabilidade de tratar a vida pessoal de Bette Davis, não utilizando caracterizações sensacionalistas. Além de compor muito bem o material de entrevistas com a atriz, sequências de seus filmes e variados comentários dos simpatizantes, o documentário possui muita segurança na hora que trata a proposta escolhida, promete explorar a imagem de força e perseverança consolidada pela atriz. Buscando caracterizar a formação de Bette Davis, o roteiro atravessa os momentos felizes da jovem desconhecida Ruth Elizabeth e familiares em Maine para depois abordar as lutas vindas com a velhice e o estrelato. Salienta frequentemente a importância do abandono paterno na vida da atriz, refletindo assim sobre a coragem de sua personalidade enquanto mulher à frente de seu tempo, uma contestadora nata dos preceitos legitimados pelos estúdios cinematográficos da época e, ao mesmo tempo, decadente na vida pessoal. "My Mother's Keeper" é o livro de memórias publicado pela filha de Bette Davis e representa simbolicamente o ponto fraco da atriz, a vida pessoal conturbada – casamentos falidos e acusações concebidas de insatisfação. Contudo, o legado da atriz para o cinema consegue perpassar estes conflitos essencialmente humanos e, contemplado neste documentário pela perseverante faceta da atriz frente à responsabilidade de seus personagens, obriga-nos a admitir a eternidade da sua dedicação.

Bette Davis, parabéns pelo seu sucesso!

Especial Joan Crawford

TCM APRESENTA

"Joan Crawford: The Ultimate Movie Star". Documentário.

Dirigido por Peter Fitzgerald. 2002.

Narração por Anjelica Huston.

Existe outra Joan Crawford que deveríamos lembrar. Sábias primeiras palavras que introduzem e enaltecem a imagem da atriz, representada neste documento de Peter Fitzgerald como a estrela definitiva do Cinema. Construída como ícone de feminismo e revolução no início da carreira, tão famosa pela beleza sublime quanto pela infame relação com a filha Christina Crawford, a nascida pobre com promessas de dançarina Lucille Fay LeSueur tornar-se-ia outra das evidentes e complexas figuras paradoxais hollywoodianas. Teria superado uma vida conturbada, abusiva e machista para encontrar ascensão social e sucesso instável, mas não se desassociando por completo da reprodução de práticas familiares afetivas e violentas que noutra época lhe perturbara. 

A perspicaz direção de Fitzgerald tende como argumento principal, por trás de inúmeras imagens e comentários bem organizados, a iluminar a face da figura de Crawford que eventualmente se encontra obscura e esquecida. Na MGM dos anos 20 e 30, quando Lucille LeSueur tornou-se Crawford, não se imaginava que apenas uma dançarina extra dos primeiros filmes do estúdio, onde a atriz encontrara-se realizada por mais de dez anos, contemplaria seu próprio nome com uma personalidade única. Joan Crawford era mais que uma estrela, apurava o seu comportamento e a sua imagem com tanta subjetividade que se transformou num personagem. 

Em memória de sua figura, não esqueceremos a elegância latente, os traços da boca e o rosto distintos. Atrelados a esta composição estética está muitas vezes também uma ideia trágica de mãe abusiva, alcoólatra e destruidora do próprio lar. Em contrapartida, pouco se recorda das condições sociais que intensamente desafiaram a jovem e inexperiente Crawford, mas que não a impediram de se legitimar como uma estrela, uma vez cercada por ostentação e práticas burguesas como o único ideal. A atriz se encontrou subjugada a aceitar papéis recusados de atrizes já consolidadas, estigmatizada por conta da vida boêmia lhe apetecer, recusada em eventos célebres como decorrências dos mesmos estigmas. Engajado pela vontade de trazer reconhecimento às conquistas da atriz, o genuíno desenvolvimento deste filme-documento com vários dos mais aficionados comentaristas, historiadores ou até mesmo atores como Charles Busch, Anita Page, Betsy Palmer, além da própria filha Christina Crawford e ex-maridos, funciona com uma abordagem equilibrada, não se derretendo em paixão, nem escandalizando o público com uma lista de acusações, como de praxe à fama de mamãezinha querida. 

Na medida certa, obtém-se informação necessária para constatar verdadeiramente que – conforme citarei o talentoso Busch – negar um lugar à Joan Crawford na história de Hollywood é como eliminar o centro de toda a estória. "Joan Crawford: The Ultimate Movie Star" é uma efetiva e grande realização em cine-biografia que não apenas desmistifica o enunciado "No more wire hangers" como também contempla os fãs da atriz com uma incursão deliciosa por imagens jamais vistas.

"Joan Crawford é indubitavelmente o melhor exemplo da mulher flapper. A garota que você vê em casas noturnas vestida no ápice da sofisticação. Manuseando copos e gelos com uma expressão ligeiramente amarga. Dançando deliciosamente. Rindo muito com olhos arregalados e feridos. Jovens coisas com talento para viver."

- F. Scott Fitzgerald

Redescobrindo a infância de maneira polimorfa

No campo do saber, uma das maiores vitórias do entendimento humano foi conquistada quando Sigmund Freud configurou uma teoria. Um conjunto de conceitos que pretendia explicar o inconsciente, assim como todo evento que embora seja inexplicável pelo viés da razão, logra a implicação de um efeito real cuja origem o indivíduo nada sabe. Conforme a arte da psicanálise, legitimada por Freud, o psiquismo e seus desdobramentos no ser humano tornaram-se algo a ser notado pelo estudo científico. Horrorizando significantemente os companheiros de profissão da época, Freud apresentou ao mundo a sua constatação de que o período da infância é contemplado com a vivência da sexualidade assim como o sujeito adulto. Comentando de forma sintética, os pressupostos freudianos funcionam da seguinte forma: o sujeito nasce adentrando-se numa relação amorosa com a mãe, em que a amamentação representa um vínculo sob a forma do peito, considerado por Freud o primeiro objeto a estimular desejo – a Pulsão – e posteriormente depara-se com a falta deste objeto (“Princípio do Prazer” e “Princípio da Realidade”). Jacques Lacan – um fiel seguidor das teorias freudianas – afirma sabiamente que é importante que falte a falta. A partir da falta, a frustrante imagem do peito, insuficiente para satisfazer ambos os desejos de sobrevivência e prazer, engendra no indivíduo uma cisão da estrutura psíquica que institui o inconsciente, o primeiro contato humano com a realidade. Uma das ações mais utilizadas pelo aparelho psíquico a favor da boa existência é o processo que Freud chamou de “Recalcamento”, isto é, quando o indivíduo transfere um evento, conturbado emocionalmente, do consciente ao inconsciente e simbolicamente “esquece”. Este evento pode ou não retornar à consciência em outras fases da vida, a partir desta premissa é que não evitei a pulsão de comentar a minha impressão sobre a vivência da sexualidade na infância e do filme “Freud, Além da Alma” (1962), dirigido por John Huston. Este é aquele legítimo momento...

“Sinto-me um pequeno perverso polimorfo”.

Quando me posiciono a olhar para trás, o passado apresenta inconsistência e brancos desajustados. Seria possível analisar com tanta verossimilhança as fases que vivemos durante a puerilidade? É mesmo verdade que todos nós somos vítimas de uma configuração social tão categórica como o chamado Complexo de Édipo? Conforme o meu trajeto e mais íntimos desejos, acredito na possibilidade de que vivências da infância sejam “esquecidas”. Seria isso apenas uma decorrência do meu branco pessoal ou este período de descobertas é realmente contemplado com vivências tão além do nossa complexidade? Se me perguntassem, diria que a infância foi para mim um estado sonífero prolongado, em que foram oferecidas oportunidades de amor e perigo. Como cores oferecidas a alguém cego, as atitudes passadas, reconhecidas apenas anos depois, podem apresentar vínculo com a sensação de ter o ego sugado inesperadamente à realidade. Se Freud chama de “Declínio do Complexo de Édipo” esta sensação exatamente, não sei, porém o ato que instaura este ego por volta dos 6 ou 7 anos é descrito de forma a duvidar e/ou estranhar se não estaria aqui a resposta para muito dos nossos sentimentos mais esquizofrênicos. O espírito contestador da teoria freudiana eventualmente existia e por conta da inauguração inusitada dos fundamentos psicanalíticos, Freud é até hoje visto como um médico à frente de seu tempo. Transposta à linguagem cinematográfica de forma a não ser igualada e devidamente instigante, a história dos primeiros eventos da vida de Sigmund Freud desdobra-se com eficácia nas mãos do lendário John Huston.

Para além da alma, inclusive. A percepção do diretor fotografada em brilhante preto e branco conduz o espectador progressivamente pelos obstáculos enfrentados por Freud, retratado com habilidade – sob uma aparência genial e introspectiva por meio do talentoso Montgomery Clift, ao longo de um material que perpassa o conhecimento e a razão. Na hora de lidar com a relação de Freud e seus pacientes, o polido suspense alcança os seus pontos máximos de drama e peca possivelmente em algumas sequências, mas nada que deveria fazer qualquer espectador menosprezar o roteiro, em cujos autores está incluso o não-creditado Sartre. Difícil é não aproveitar ao máximo o exímio uso da realidade e ilusão, ferramentas essenciais na hora de expressar a complexidade psíquica e senão até onírica dos pacientes.

Um diagnóstico essencial e perturbador àqueles que desejam aprofundamento no conhecimento de si mesmo.

A revolução será registrada: identificando os papéis midiáticos na aplicação de estratégias políticas e as consequências disso no governo de Chávez

The revolution will not be televised. Direção: Kim Bartley, Donnacha Ó Briain. Produção: David Power. Irlanda: Power Pictures, 2003. 74 min. Colorido. Distribuição: Vitagraph Films.

  

Eleito democraticamente, o presidente venezuelano Hugo Chávez foi removido de seu posto por meio de um golpe de estado em abril de 2002. As cenas cruciais do evento, incluindo as imagens produzidas dentro do Palácio de Miraflores, onde Chávez estava detido, estão organizadas no documentário intitulado “A revolução não será televisionada” (Kim Bartley e Donnacha Ó Briain, 2003). Conforme o documentário e os fatos, articulados por meio de narração e linearidade cronológica, os cineastas irlandeses – Bartley e Ó Briain – chegam a Venezuela sete meses antes do golpe com o objetivo de desvendar mitos, rumores e compor uma biografia sobre Hugo Chávez, o herói do povo venezuelano. Para a surpresa dos dois irlandeses, estar no lugar certo, na hora certa, os contemplaria com imagens exclusivas para este documentário, que posteriormente seria premiado em importantes festivais europeus e norte-americanos.