Sobre a formação e a desconstrução do espaço social

Uma das obras-primas do diretor italiano Luchino Visconti, ROCCO E SEUS IRMÃOS (1960) reitera uma das discussões mais importantes do movimento neorrealista em que o diretor ficou conhecido, a influência derradeira que o espaço social possui diretamente na vida dos indivíduos. No melhor formato deste tipo de linguagem que ainda hoje enaltece o Cinema, os filmes italianos deste período evocam a realidade a partir de suas inúmeras questões livremente não respondidas, mas nunca traçadas sem propósito. Uma discussão que elucida a complexidade de seus personagens, mostrando que a resolução de seus problemas engana o espectador com identificações e promessas de felicidade, mas não o instiga a refletir sobre elas e – excepcionalmente – sobre o espaço social na qual elas estão inseridas.

Um épico familiar de três horas de duração que marca o seu ponto de vista acerca da desintegração de uma família pelo espaço urbano. Enchendo-se de um tom alegórico e melodramático, incisivamente contemplado pela composição brilhante de Nino Rota, o filme conta a história de uma família que deixa o espaço rural e adentra ao caos urbano de Milão sem prever completamente as consequências desta ação. Segmentado em trechos que estudam os seus personagens, o roteiro com a direção virtuosa de Visconti utiliza uma linguagem que faz a narrativa estruturada e linear envolver o espectador gradativamente. Como se fosse um balão cheio de ar sendo sistematicamente incomodado com o espetar de uma agulha, até que sua explosão seja brusca e irremediável. Convidado a uma experiência sensorial neste campo, o espectador conhece Rocco (Alain Delon) e seus irmãos, Simone (Renato Salvatori), Ciro (Max Cartier), Vincenzo (Spiros Focás), Luca (Rocco Vidolazzi). Como também as interpretações fortes e fascinantes de duas grandes mulheres: a matriarca Rosaria (Katina Paxinou) e a devassa Nadia (Annie Giardot).

(spoiler)

Deparando-se com as dificuldades de se alcançar estabilidade social e econômica na cidade grande, a família Parondi descobre na sua estrutura o reflexo disso. A partir dos eventos pelos quais Rocco e seus irmãos são acometidos e que transformam, desintegrando-os enquanto família. Rocco é um homem incomum, possui uma espécie de tom triunfante em todas suas atitudes, e é representado quase como um herói romântico, esculpido pelas tragédias que espreitam a sua existência. Ao se apaixonar por Nadia, a mulher do irmão Simone, Rocco se sacrifica em prol da família. O que há no processo entre estes acontecimentos são uma série de infortúnios que culminam em três cenas-chave: a amada de Rocco sendo estuprada na sua frente pelo irmão, a abdicação de sua amada por Rocco e posteriormente a morte dela. A composição fascinante dos elementos de Visconti traz muita poesia textual e imagética a esta realidade, e a eles não lhes falta nenhum caráter roteirístico romanesco que vá diminuir sua última e poderosa mensagem. Um íntimo e verdadeiro olhar questionador das circunstâncias que mantém unida uma família e suas resoluções que em muitas vezes escapam da vontade dos indivíduos, deixando-os absortos ante ao vazio que responde suas dúvidas.

As reflexões de Visconti em Rocco 

são como uma fonte inesgotável de si mesma,

ainda hoje provocariam outras.

Olivia de Havilland

Um dama no cinema hollywoodiano

A ser comentados aqui dois filmes grandiosos de sua filmografia:

A COVA DA SERPENTE

(20th Century Fox - Anatole Litvak, 1948)

É inegável como Olivia de Havilland, no que pode ser a sua mais requintada tour de force, representa o que há de sólido e atraente em THE SNAKE PIT. Sua maneira expressa o comportamento de uma mulher americana cuja aparência se encontra similar na rua, mesmo sendo linda e da melhor estirpe hollywoodiana. A provável identificação que o público teria com a protagonista frente a um mundo de loucuras me parece tão plausível que não teria como esta produção engenhosa da Fox evitar uma ação de censura. Uma mulher que ama, gosta de música e escreve romance, como qualquer outra, não compreende a sua repentina situação de insanidade, internada num sanatório. Anatole Litvak dirige com propriedade esta belíssima história, marcada por observações psicanalíticas interessantes, e um toque de horror, denunciando incisivamente como a sociedade vê os indivíduos que sofrem de doença mental. Freud é utilizado como argumento-chave neste filme encantador. Posso pontuar que uma conclusão a partir de explicações tão definidas da psicanálise emana de alguma forma a sensação de que o roteiro simplifica a complexidade da protagonista. Penso nesse artifício como uma forma de tornar a insanidade mais imaginável ao espectador da época que já sofreria o grande impacto imagético das personagens internadas no sanatório. Conferir esta pérola cinematográfica da loucura é essencial e para compreender – no mínimo – o que faz até o título dessa obra possuir tanto significado.

TARDE DEMAIS

(Paramount - William Wyler, 1949)

A contundente direção de William Wyler engole o espectador de tal maneira à história que vejo ser inevitável evidenciar o poder não apenas do talento inato para a direção dos atores, mas em todo o cenário que percebemos de uma forma singular. Olivia de Havilland, contemplada aqui com o seu segundo Oscar de Melhor Atriz, mostra o show imprevisível que é capaz de sustentar por trás da sofrida personagem de Henry James, em "Washington Square". Seu nome é Catherine Sloper, uma jovem ingênua e tímida que se apaixona pelo personagem galã de Montgomery Clift. Dentre os personagens de maior relevância, encontramos também a idílica Miriam Hopkins como a tia faladeira e romântica cujo fascínio pelo melodrama é mostrado constantemente na sua influente vontade de ver o amor se consumir pelo casal protagonista. Só que o elemento que dá as cartas, nessa história de sofrimento e muitas lacunas sobre as emoções de seus personagens, é o talentoso Ralph Richardson como o doutor Austin Sloper, o pai de Catherine. Este viúvo, marcado por uma nostalgia da mulher que ainda idolatra e compara com a filha, mostra-se um personagem tão complexo afetivamente quanto o casal protagonista. Quando o pai acusa o personagem de Clift de estar interessado apenas no dinheiro de sua filha, a história toma um novo rumo, desvelando as nuances de seus personagens para apontar que o homem não possui emoção passível de ser simplificada. O suspense criado em torno das verdadeiras intenções do casamento é magnífico. Não é possível conhecer de forma absoluta os sentimentos humanos, que dirá representa-los imageticamente. Então, Wyler constrói um panorama incisivo em cima desta premissa, dando enfoque à miséria existencial pela qual a protagonista se vê acometida.

Esta querida ainda vive e possui hoje 95 anos.

Devemos celebrar o triunfo desta mulher singular,

que já ficou para a eternidade.